La desestabilización

Ugo Rondinone
Nace en Brunnen en 1964, vive y trabaja en Zurich y Nueva York.
La presente obra se llama " hacia donde vamos después de aquí?" Se trata de una instalación que involucra una pintura mural realizada en tinta india con efecto de negativo, una habitación iluminada con luz neón amarilla, 4 proyectores de video y sonido.
La instalación de medidas variables ocupa toda una sala, en una parte aparece el gran mural que aquí vemos, enfrente se disponen 4 paneles blancos en donde se proyectan los videos alusivos a payasos en actitud de ocio o sueño.
El trabajo de Rondinone parte del desplazamiento de conceptos tales como la verdad, la naturaleza, el artificio creando el engaño llevado a la presencia de lo nauseabundo y lo siniestro.
En la obra que aquí percibimos notamos un espacio de representación de una naturaleza extraña, puesto que parte de la idea del negativo, existe por lo tanto una simple transformación para que la obra adquiera una atmósfera que nos remite a un espacio figurado y siniestro. El follaje de árboles y lagunas se ha construido de igual manera: al revez puesto que la tinta india avanza sobre la superficie rellenado la contraforma.
Influye sobre nuestra percepción de espacio la dimensión del dibujo, introduciéndonos en la imagen, haciéndonos participes ya que nuestra estatura se encuentra proporcionada con el paisaje, incluso juega doblemente con la idea de introducción al paisaje creando una puerta falsa de acceso a esa naturaleza, ahora afectada por una luz de artificio, una luz imposible.
Esta obra se plantea el concepto de naturaleza, creando desestabilización conceptual, dirigiendo su mensaje critico a través del juego y la sensación de lo siniestro.
Luego de entrar simuladamente en el paisaje mental y desplazado de lo imposible nos encontramos con 4 proyecciones de performances de payasos abyectos, gordos, displicentes, en actitud de ocio. Rondinone pretende que encontremos en estos payasos una alusión al sueño o mejor diríamos nosotros a una imposibilidad de soñar. El payaso , ese ser ambiguo que personifica por un lado la cara amable y feliz de la niñez o el mundo infantilizado, por otro lado el payaso convertido en una terrible imagen de lo terrorífico mezclado con una carga de humor negro. El payaso de las proyecciones de Rondinone juega con la imposibilidad de identificación, una ensoñación producto de una verdad relativa, de todas formas disociada de nuestras percepciones mas fundadas, de nuestras preconcepciones de cultura, por ello su obra desestabiliza.
En la instalación denominada Grand Central Station, reelabora el concepto de naturaleza pero esta vez su acercamiento a ella es mas descarnado y cínico, puesto que no se conforma con la distancia de la representación de un paisaje a la inversa, sino que usa árboles muertos directamente que lleva y pretende devolverlos a la vida en el espacio de la galería. Jennifer Pastor recrea asimismo un paisaje pero en su caso la artista Norteamérica elabora un árbol de plástico como naturaleza perfecta mejor que la real, en cambio ( volver a la imagen de rondinone) Rondinone recupera el objeto real para nutrirlo de elementos nostálgicos eliminando la frontera entre arte y artificio, al menos Pastor nos plantea que desde el artificio nosotros podemos llegar a entenderlo como naturaleza algún día, pero Rondinone nos ubica en un no lugar, en un espacio del engaño, en esta obra hace alusión de repente a un centro neurálgico newyorkino, la estación central de trenes de esta ciudad, llena de gente, ruido y velocidad, su obra reproduce los efectos de sonido como frutos de árboles con función utilitaria. El sistema de construcción de la presente obra podremos señalarla como un desarrollo incomodo de un pretendido minimalismo. Existe herencia de este movimiento conceptual aunque en direcciones opuestas.
imagen de LOVE INVENTS US
En dirección opuesta se encuentra de igual manera la presente obra titulada el amor nos inventa, un anuncio luminoso que aspira a convertirse en una apuesta trastocada del mundo de la sicodelia y la revolución sexual de los años 60s y 70s. Esta obra recoge de alguna manera el " all you need is love" de Lenon para proponernos un amor que nos inventa, de pronto el amor sea lo que necesitamos para creer de nuevo en la verdad, en la creación de sentido, algo de lo cual nos hemos olvidado y que definitivamente ha desaparecido de la academia.
Love invents us se convierte en un slogan cursi lleno de nostalgia que produce risa por su atrevimiento en este mundo pragmático, sin embargo en esta supuesta fragilidad es donde reside su poder, su necesidad y su tremenda actividad circular con la historia.
imagen de payaso y mural de vidrio
igualmente circular y de dudosa realidad aparece este payaso , una escultura en algodón y cera, que de alguna manera resume la presencia de la imagen del sueño en la obra de Rondinone, vinculado a la nostalgia y la melancolía como principal fuerza de creación emocional todo junto desasociando medios de comunicación de masas contemporánea. Su lenguaje no es complejo por el contrario sus estrategias son claramente identificables y ligeras.

DANIEL RICHTER
Nace en Eutin en 1962 vive y trabaja en Berlín
El origen de la propuesta plástica de Richter es posible vincularla con la actitud del artista contemporáneo: Ser un Discjockey. El artista de hoy se encuentra consciente que la historia ha perdido profundidad en múltiples aspectos, por ejemplo ha perdido profundidad en sentido mítico ya que cuando hablamos de mitos, es necesario plantearnos una reactivación subjetiva de los mitos. No quiere decir que los mitos hayan muerto, pero en cierta manera es esta la actitud ya que muchas veces los mitos greco-romanos a pesar de la gran CANTIDAD DE SABIDURIA Y PERTINENCIA con nosotros, con nuestra vida se encuentran distantes, como si no hablaran de nuestra realidad, por ello podemos afirmar que el achatamiento de la profundidad mítica de la historia nos sugiere convertirnos por nosotros mismos en creadores de nuevos mitos. El mito no acaba sino que renace, es un ejemplo en el arte latinoamericano como esta actitud creadora de mitos salta inesperadamente, el mito de la literatura latinoamericana, el mito de la nueva figuración, el mito de la organicidad tan particular del arte latinoamericano, independiente si es una escultura o pintura, espacio axiomático o performance. La perdida de profundidad en la historia de igual manera podemos percibirla a nivel de presencia de lo sagrado. Indiscutiblemente lo sagrado no influye mas en nuestra percepción de la historia, podemos manipular imágenes del mundo cristiano, musulmán, judío sin reparar en sus connotaciones sagradas casi que ni siquiera religiosa. Por todo lo anterior mencionado nosotros nos ubicamos frente a la historia como el discjockey frente a sus discos, nosotros cabalgamos por la historia, tomamos la historia como el deposito que es, un contenedor gigante de imágenes a nuestra disposición. Daniel Richter es un disjockey con su tabla de mezclas, combina y juguetea con diferentes estilos y tradiciones pictóricas. En sus telas podemos realizar seguimientos de la obra de Asger Jorn, un ejemplo esta obra, que al igual que las pinturas de Jorn , Richter nos propone un espacio abarrotado, confuso y febril de superficies abstractas, pero a diferencia de Jorn nuestro artista vincula diseños extraídos del mundo de la publicidad y la cotidianidad, no olvidemos que richter en sus orígenes fue grafista e ilustrador de revista de música pop. Precisamente es esta afinidad con la música pop lo que le lleva a utilizar la extracción de la imagen como si fuera un discjockey haciendo mezclas a partir de la misma historia del arte.
En King Kong también usa el mismo sistema de apropiacionismo truncado, para plantear un óleo a partir de los experimentos con dibujo con humo de Gerard Ritchter, artista alemán muy versátil muy vinculado con hacer evidente los deterioros de la imagen en nuestra sociedad. El nuevo Richter se apropia de los efectos de los dibujos de humo sobre cristal de su homónimo y elabora una intrincada superficie de tramas y diseños , los cuales se integran al espacio pictorico por superposición. Una extrtaña manera de conseguir la armonía por aglutinación y saturación.
Precisamente a través de la saturación y el caos ( imagen de Tarifa) Richter usa los sistemas de imagen de Philip Guston, artista que plantea un retrato actual de la sociedad que le circunda. sus figuras son infantilizadas a la tremenda por un dibujo caricaturesco de colores viliares que se aglutinan en un caos desesperante tal cual es evidente en nuestra sociedad de continentes abarrotados.
Daniel Richter en definitiva desea expresar ideas de apropiacionismo ( véase por ejemplo que e l formato de sus obras regresa al gran formato herencia de la nueva pintura modernista americana, un formato que traducía el poder económico de un país que no terminaba de salir de la crisis económica y que deseaba imponer un orden mundial. jackson pollock de koonning) de igual manera Richter le interesa expresar ideas políticas con un medio tan tradicional como la pintura, le interesa realizar denuncias sobre el estado actual de las cosas y los fenómenos sociales que afectan la humanidad como lo son la imposibilidad de movilidad, las diferencias extremas entre pobres y ricos y el drama constante de la inmigración tan evidente en las fronteras de los países o continentes ricos como es la unión europea y los estados unidos.
Ejemplo de lo anterior su obra "Tarifa " representación figurada a la manera de Ensor, Guston y Asger Jorn de un drama actual: La inmigración, un mar negro cargado de malos augurios y seres humanos indefensos frente a esta realidad del desarraigo. En este óleo de grandes dimensiones impresiona la carga simbólica de sus figuras y espacios pictóricos así como también la composición en contrapicado que nos hace participes como victimas y espectadores al mismo tiempo de un acontecimiento político.
Albert oehlen
Artista alemán nacido en 1954, junto con George herold y martín kippenberger fue uno de los artistas mas contestarios de la escena artística berlinesa de 1980. Su obra no tiene un significado claro evidente, aunque por la manera en que dispone de símbolos y superficies pictóricas encontramos siempre un punto de vista sobre la propia pintura y sobre los conceptos de contemporaneidad que ella emana. De esta manera desde el ejercicio de la pintura expone lo difícil que resulta el concepto de contemporaneidad en el arte, ya que en realidad esta categoría vive en la ambigüedad. Su pintura por su formulación correspondería a la estética propia de nuestra contemporaneidad, es decir el espacio pictórica lo construye una serie de referencias algunas de tipo simbólico sincrético, otras a manera de referencias oníricas casi surrealistas,otras simplemente como vestigios de imágenes urbanas vinculadas al grafismo. pero al tiempo que sus pinturas son pretendidamente contemporáneas juguetea con esta clasificación revalidando este posicionamiento, es decir su pintura usa los adjetivos para descubrir los clichés de la pintura contemporánea. las ideas artísticas de Oelen implican desarrollos a través de la practica de la pintura pero también explora otros medios , superficies y dimensiones como por ejemplo " bedrother schwan" un trabajo formulado desde la manipulación digital. Albert Oehlen es un artista bidimensional que cree en la fuerza de una pintura consiente de sus fisuras , en un tiempo donde lo importante no sólo es el virtuosismo sino la consolidación de una idea . Pintura hecha con materiales tradicionales, pintura formulada por estrategias vectoriales o digitales nos hace pensar acerca de la movilidad de un pensamiento diverso sobre la bidimensionalidad y las nuevas características de presentación de una obra, véase en este respecto la obra de Oehlen la cual participó en la feria de hanover 2000 , un mosaico de 2500 m 2. la intención de este gran mural de suelo consistía en generar discusión sobre la imagen actual de alemania, entonces tuvo que necesariamente referirse al pasado nazi y la esperanza del pueblo alemán en el tercer imperio. una pintura con una obligación extraartistica susceptible de ser pisada múltiples veces, una memoria de una nueva imaginaria visual sobre el concepto de país, democracia y participación.
El objetivo de toda la pintura de Oehlen consiste en atacar la pintura desde diversos frentes, este ha sido su aporte una negación constante sobre conceptos de arte y el fin de las artes, en algunos trabajos como hemos visto los motivos se dejan a un lado en otros se hacen necesarios pero siempre impera formulaciones desde la presencia de lo abstracto.
Es así como esa gran dimensión que crea desestabilización logra migrar hacia el plano vertical en busca del formato mural pero generados por computador, en este caso particular su pintura hace parte de la decoración de una tienda de Taschen en París, siendo precisamente el titulo de esta obra. pero dejemos que el artista nos explique brevemente su pensamiento " califique mis pinturas de post no-figurativas y mas adelante de pinturas procusteana- entiendo que el artista con lo primero se refiere a que ha vencido el virtuosismo inherente al arte abstracto y por lo segundo que " rechazaba la ética pictórica, procusteano significa mezclar, romper, expandir y reducir- en otras palabras se es implacable con los materiales.
Gary Hume

Que es el apropiacionismo ? Acaso consiste en tomar prestado por un segundo una imagen previamente elaborada por un artista antes que nosotros, acaso significa que se suplanta la autoría, usando los mimos medios y estrategias de creación? Gary Hume según las dos anteriores acepciones no sería un apropiacionista puesto que este artista londinense nacido en 1962 le interesa apropiarse de las imágenes solo a través del borde de la linea de limite. Hume se dió a conocer en la época de los ochenta por intermedio de un trabajo realizado sobre puertas giratorias de hospital, realizado con pintura de carros, de colores asociados a estados de ánimo a la desesperanza y la depresión en una especie de trasmisión de sentimientos desde su propia intimidad - muerte, angustia ante la soledad. en este aspecto su pintura conecta directamente con la obra de Peter halley artista perteneciente a autodenominado post pop o neogeo. -imagen de peter halley- este artista newyorkino plantea obras en las cuales se apropia o imita la pintura y textura que se usa en las paredes de centros de reclusión u hospitales, acercando al espectador hacia un contacto directo con otras realidades ocultas, escondidas. En cambio Hume retoma la silueta de formas de cosas, seres humanos y animales con la intención de perfeccionarlas volviéndolas a una nueva vida exenta de deterioros.
Hume como el anteriormente mencionado artista Daniel Ritcher usa la historia como un gran archivo de imagen, sin consideraciones sagradas o míticas. por ello es posible encontrar en sus trabajos la presencia del pop Art. mezclado con Rorschach, el Art. deco con vermeer. en resumen su preocupación consiste en explorar el arquetipo y la copia en el renacimiento de la decoración, el mal gusto y el Kitsch.
la pincelada o cualquier rastro de personalidad desaparece para dejarle paso a la inexpresividad, el color plano y la pretensión de hacer un arte alejado del concepto de belleza tradicional. en estas dos pinturas observamos los tanteos producidos por la linea, en múltiples redibujos superpuestos sobre fondos de color ácido tipificados por el mundo de la decoración o el arte popular.
en estos trabajos que podríamos llamar transparentes se visualizan una intersección entre fondo liso y figura superpuesta, atravesados por una nada que inunda la totalidad del espacio, materializando esos vacíos e intersticios propios del proceso. De todos los artistas vistos en esta charla es Hume quien recurre con mayor tenacidad al dibujo, extrae de él información valiosa ala vez que reactualiza su papel dentro del espectro de medios y formulaciones para la contemporaneidad.
Ningún artista como Hume se encuentra tan alerta ante el deterioro de la imagen proveniente del mundo de la cotidianidad, echa mano de revistas del corazón, de modas, de la historia del arte con tal de convertirlas en simples siluetas que han de ser abstraídas y vueltas a configurar. Buenos son para lograrlo fragmentos de flores, manos, pájaros, retratos o diseños.

servido por oscar 1 comentario compártelo